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Les films ont la capacité merveilleuse de changer de perception et de vous aider à voir et à comprendre l’autre. Cela n’est nulle part plus évident que dans les films en langue étrangère. Depuis un siècle, le cinéma nous aide à entrevoir la vie dans des pays où nous ne pourrions jamais mettre les pieds. Tandis que Hollywood domine toujours le box-office, les maisons d’art et les services comme Netflix nous ont donné un accès facile aux films du monde entier. Nous avons recherché les films internationaux de Netflix dans nos films favoris. La liste comprend des films d'une douzaine de langues différentes, originaires d'au moins une douzaine de pays différents, allant des salles de cinéma traditionnelles comme la France, l'Italie et le Japon aux centres de créativité plus récents comme le Brésil, l'Indonésie et même l'ancienne République soviétique de Géorgie.

Voici les 30 meilleurs films en langue étrangère sur Netflix:

30. La vie des autres

Année: 2007
Directeur: Florian Henckel von Donnersmarck
Langue: allemand
La vie des autres est un film savamment construit sur un espion est-allemand qui surveille un dramaturge soupçonné de sympathiser avec l’Occident. Il bousille la maison de l’homme, l’écoute et écrit des comptes rendus quotidiens. Mais en écoutant, il commence à avoir des réserves sur la mission. On n’apprend jamais beaucoup sur l’espion, bien qu’il soit au centre du film, et l’auteur / réalisateur Florian Henckel von Donnersmarck s’en remet presque entièrement à une interprétation ambiguë et minimaliste de son étoile pour rendre plausibles les sympathies changeantes de l’homme. Von Donnersmarck a de très bonnes idées, construisant des ensembles intéressants et complexes, puis les désaligne, comme un joaillier portant des gants de boxe: il a si peu confiance en la capacité du public à suivre les rebondissements de l'intrigue qu'il en a souvent les explique deux ou trois fois. C'est quand même un film captivant par intermittence sur les méchants-espions devenus bons. —Robert Davis

29. Psychokinésie

Année: 2018
Directeur: Yeon Sang-ho
Langue: coréen
Après Train to Busan, son adroit ajout au genre de zombies toujours vivant, Yeon Sang-ho propose une autre interprétation du zeitgeist with Psychokinesis, en construisant une pièce habile et vaguement politique de la Corée du Sud dans l’univers du superhéros cinématographique. Ryu Seung-ryong ne joue plus personne Shin Seok-heon, un agent de sécurité dopey séparé de sa famille, ramené à la vie de sa fille Roo-mi (Shim Eun-Kyung) après qu'une bande d'ouvriers syndiqués du bâtiment ait tué accidentellement sa mère alors qu'elle tentait d'expulser le jeune entrepreneur de poulet frit dans sa petite devanture. Aussi: Seok-heon a des superpouvoirs en plein essor de la variété titulaire, contractés lorsqu'il boit dans une source publique polluée par une substance extraterrestre récemment libérée dans la terre via un rocher spatial effondré. Bien que Yeon (qui a également écrit le film) confonde généralement la sensibilité de la bande dessinée avec un manque total de personnages profondément écrits aux prises avec des motivations et des histoires vraiment intéressantes, Yeon n'est pas particulièrement motivé par les mêmes forces que le MCU ou le DCEU: Psychokinesis a Un cœur sans entraves, un mélodrame sans chichis, à l'instar des films de ces marques, pas accablé par la même pression économique – tout en déclarant très clairement que la police est mauvaise. Tout cela est rafraîchissant à la suite d’une guerre d’Infinity. —Dom Sinacola

28. Tout le monde sait

Année: 2018
Directeur: Asghar Farhadi
Langue: espagnol
Le mélange de rebondissements et de nuances morales, l'accent mis sur des personnages imparfaits et des passés irrésolubles: les fans du scénariste-réalisateur Asghar Farhadi en sont venus à chérir ces éléments de marque dans ses films. Everybody Knows est la première œuvre du cinéaste iranien en espagnol. Il représente Penelope Cruz dans le rôle de Laura, une épouse et une mère qui revient dans le village où elle a grandi après des années passées en Argentine avec son mari, Alejandro (Ricardo Darin). La raison de la réunion est le mariage de sa sœur, ce qui procure de la joie mais aussi de l’angoisse à Laura. Bien qu’elle soit heureuse de voir sa famille après une si longue absence, la tension est primordiale: pourquoi est-elle si absente? Ce qui complique également les choses, c’est que c’est la première fois depuis 10 ans qu’elle voit Paco (Javier Bardem), qui possède un vignoble et qui était autrefois l’amante de Laura. Mais c’est apparemment tout dans le passé depuis son mariage heureux avec Bea (Barbara Lennie). Bien sûr, quiconque a vu un film en Farhadi, y compris A Separation, The Past et The Salesman, sait que les vieux amants et les familles compliquées ne vont pas tranquillement. Ces ingrédients sont les éléments de base des drames de Farhadi, et une fois que Everybody Knows commence à fonctionner, nous levons nos antennes pour nous préparer aux ondes de choc à venir. Au milieu d’une superbe distribution, Bardem et Cruz sont tous deux des personnages très forts qui n’ont pas abandonné le passé – une affliction familière dans les films de Farhadi. C’est peut-être la raison pour laquelle Lennie est le véritable KO de Everybody Knows. Sexy et intelligente, Bea est une force vitale essentielle qui a capturé le cœur de Paco. Mais une fois que Laura est revenue – et Irène disparue – elle commence à comprendre qu’il existe des vies entières de l’existence de son mari qu’elle n’a jamais pleinement appréciées. Sa tragédie est peut-être que, soudainement, il pourrait être trop tard pour faire quoi que ce soit à son sujet, et Lennie affiche la vague de colère, de tristesse et de panique qui accompagne un test aussi profond de son mariage. Tandis que Farhadi déplace habilement ses protagonistes autour de l’échiquier, seule Lennie se sent complètement dégagée, son personnage d’un personnage refusant d’être maîtrisé par son mari – ou même les manœuvres narratives de Farhadi. —Tim Grierson

27. Ip Man

Année: 2008
Directeur: Wilson Yip
Langue: cantonais
L’édition 2008 de l’Ip Man est enfin le moment où Donnie Yen, qui est vraiment excellent mais qui n’a jamais été considéré avec équité, prend sa place, interprétant une version biographique du grand maître légendaire de Wing Chung et enseignant de nombreux futurs maîtres des arts martiaux, dont Bruce Lee Le film se déroule dans les années 1930 à Foshan (une ville réputée pour les arts martiaux dans le sud et le centre de la Chine), où le modeste capitaine Chung essaye de surmonter pacifiquement l'invasion et l'occupation de la Chine par les Japonais en 1937, mais finit par être contraint à l'action. Action fulgurante, qui brise les membres et pulvérise le visage. Ce film semi-historique réussit à merveille comme cinéphile et comme fan d'arts martiaux. —K. Alexander Smith

26. il a même vos yeux

Année: 2017
Directeur: Lucien Jean-Baptiste
Pays: France
Langue: français
Peu de films ont réussi à capter l'absurdité inhérente au cœur du racisme, mais c'est ce que He Even Has Your Eyes réalise tout en offrant un regard divertissant sur le jeune couple et les phases précoces et terrifiantes de la maternité. Du réalisateur Lucien Jean-Baptiste (qui co-vedette dans le film), la comédie en français est centrée sur un jeune couple noir parisien qui décide d'adopter un garçon aux yeux bleus, aux cheveux blonds et très blancs. L’adoption transraciale est un aspect acceptable de la société depuis si longtemps, et c’est fascinant de voir comment les choses absurdes se concrétisent quand les parents adoptifs ne sont pas blancs. Jean-Baptiste joue Paul Aloka, mais le film est interprété par le rôle joué par Aïssa Maïga en tant qu’épouse, Salimata. Tous deux doivent naviguer entre un agent d'ingérence raciste, un ingérence raciste et le choc, la crainte et la déception des membres de leur famille, le temps de devenir parents pour la première fois – et pourtant, le film ne semble jamais lourd ni déprimant, malgré le sérieux des sujets abordés. . Contrairement à beaucoup d’œuvres similaires sur la race et le racisme, He Even Has Your Eyes est écrit de manière à ne pas trop expliquer le point de vue des personnages noirs, ni (heureusement) au centre des personnages blancs. Certains de l’humour culturel propre à la famille sénégalaise de Sali ne seront comblés que par ceux d’entre nous qui ont grandi dans la crainte de voir nos mères nous entendre nous sucer les dents. Mais comme toutes les histoires qui concernent un récit spécifique et qui sont parlées avec une voix distincte, le film a une qualité universelle qui en fait un délice réconfortant du début à la fin. – Shannon M. Houston

25. Train pour Busan

Année: 2016
Directeur: Yeon Sang-ho
Pays: Corée du Sud
Langue: coréen
Aimez-les ou détestez-les, les zombies sont toujours une constante du genre de l’horreur en 2016, et sont suffisamment fiables pour régler la montre de votre chef. Et bien que j’ai probablement vu assez de films de zombies indépendants à ce stade pour les écarter de mes habitudes de visionnage pour le reste de ma vie, il ya toujours au moins un grand film de zombies tous les deux ans. En 2016, c’était Train to Busan, un film que je n’avais malheureusement pas encore vu lorsque j’écrivais les 50 meilleurs films de zombies de tous les temps. Il n’ya pas lieu de spéculer: Train to Busan aurait sans aucun doute été ajouté à la liste. Cette histoire sud-coréenne d’un père soucieux de sa carrière qui tente de protéger sa jeune fille dans un train rempli de zombies déchaînés est à la fois un divertissement époustouflant de pop-corn et un véritable drame familial. Il se termine par plusieurs éléments d’action que je n’ai jamais vus auparavant, ni même envisagés pour un film de zombies, et chaque fois que vous pouvez ajouter quelque chose de vraiment nouveau au genre des morts-vivants, alors vous faites vraiment quelque chose de bien. Avec quelques personnages de soutien mémorables et empathiques et des effets de maquillage de premier ordre, vous avez l’un des meilleurs films de zombies de la dernière décennie. —Jim Vorel

24. Marie et la fleur de sorcière

Année: 2018
Directeur: Hiromasa Yonebayashi
Langue: japonais
L’idée d’un enfant désireux d’aider à la maison mais qui crée plus de dégâts qu’elle finit par le nettoyer est quelque chose de déchirant. C’est Mary, le personnage principal du nouveau film de Hiromasa Yonebayashi, Mary and the Witch’s Flower. Elle veut être utile à sa grand-tante Charlotte (Lynda Baron) et à la gouvernante de Charlotte, Mlle Banks (Morwenna Banks), mais elle ne peut pas soulager Charlotte d’une tasse de thé vide sans la laisser tomber par terre. Le gamin est un désastre ambulant. C’est pratiquement tragique. C’est une bonne fille, elle n’a rien à faire, jusqu’à ce qu’elle rencontre un couple de chats d’extérieur qui la conduisent à une série de fleurs bleues brillantes qui captent sa curiosité à vue. Ne sachant pas exactement ce qu’ils sont (astuce: ce sont des fleurs de sorcière), Mary les ramène chez Charlotte et découvre rapidement que ces fleurs confèrent des pouvoirs magiques temporaires à ceux qui les touchent. Le complot de Mary et la fleur de sorcière – et, mon garçon, il y en a beaucoup – part de là: Mary est emmenée par un balai volant vers une académie de sorcières, dirigée par Madame Mumblechook (Kate Winslet) et le docteur Dee Broadbent), qui a mis sur un front gentil qui dissimule des intentions peu recommandables. Marie et la fleur de sorcière sont bien connues dans le récit: Harry Potter-lite, en passant par Studio Ghibli-lite, avec un brin d’intérêt thématique passé de Yonebayashi. Le tout est vif, doux et d'une beauté sans faille. Nous recherchons tous de la magie dans le monde qui nous entoure et, lorsque nous le faisons, le monde nous laisse systématiquement tomber. Des films comme celui-ci nous rappellent qu'il y a de la magie et de la vie dans l'art, et peut-être surtout dans l'animation. —Andy Crump

23. Jiro Dreams of Sushi

Année: 2012
Directeur: David Gelb
Langue: japonais
Jiro Dreams of Sushi est un documentaire sur l'un des plus grands maîtres du monde culinaire, dont les gastronomes occasionnels n'ont jamais entendu parler. Bien que le travail de Jiro soit apparemment au centre du documentaire, le film est véritablement inspiré par l’histoire de sa relation avec ses deux fils. Le plus jeune d'entre eux a ouvert son propre restaurant et le plus âgé continue, à 50 ans, de travailler avec son père, s'entraînant pour reprendre un jour son restaurant. Sans la jalousie familiale typique à laquelle on peut s'attendre, Jiro Dreams of Sushi est plutôt un documentaire magnifiquement filmé sur un père et ses fils qui ont consacré leur vie à la recherche du parfait morceau de sushi. —Emily Kirkpatrick

22. Le bleu est la couleur la plus chaude

Année 2013
Directeur: Abdellatif Kechiche
Langue: français
Les films de trois heures sont généralement le terrain des westerns, des épopées d’époque ou des romans tragiques et radicaux. Ils n’ont pas tendance à être des personnages intimes, mais Blue est la couleur la plus chaude (La Vie d’Adèle Chapitres 1 et 2) ne justifie pas sa longueur. Une belle histoire d’amour sage, érotique et dévastatrice, qui raconte le début, le milieu et la fin possible d’un jeune couple de lesbiennes et utilise son temps de course pour nous donner une idée de la croissance de deux individus qui s’épousent au fil des ans. Cela fait mal comme dans la vraie vie, mais vous laisse ravi par son pouvoir. —Tim Grierson

21. Ma vie de courgette

Année: 2016
Directeur: Claude Barras
Langue: français
Ma vie de courgette commence mal. Notre protagoniste aux cheveux bleus âgé de neuf ans (exprimé par Gaspard Schlatter) s'appelle Icare – traduit en anglais par "Icarus", bien que l'allusion ne semble guère avoir d'importance – mais il insiste pour que ce soit Courgette ("Zucchini"), non pas parce qu'il ressemble à un légume ou parce qu'une courgette n'a aucune pertinence métaphorique, mais parce que c'est un surnom que sa mère lui a donné. Et dans les minutes d'ouverture, Zucchini a toutes les raisons de s'accrocher à un petit cadeau de sa mère: le garçon, complètement par accident, la tue. De nos jours, c’est exactement ce que font les films pour enfants nominés aux Oscars. À partir de là, le film s’éclaire considérablement, même si Zucchini, orphelin après l’accident, rencontre un groupe d’enfants brisés à l’orphelinat où il a été confié. Après avoir gagné le respect accablant de Simon (Paulin Jaccoud), chef autoproclamé du petit groupe de naufragés, Zucchini découvre les souffrances de ses semblables: abus, pédophilie, maladie mentale grave, alcoolisme – tout ce que Simon raconte peu de compréhension, outre le fait que pour chaque enfant une tragédie impensable signifie qu'il ne reste plus personne pour les aimer, et qu'ils finissent donc là-bas, liés par leur statut de famille d'accueil. L’exploit le plus impressionnant du réalisateur Barras – outre le maintien de ce film d’animation sous la barre des 70 minutes – c’est comment il a donné ce film sans effort à Zucchini, ne laissant jamais la corruption du monde des adultes souiller My Life en tant que teintes vives et magnanime plus vivantes de Zucchini. Barras lutte dans presque toutes les scènes, en particulier lorsque la lourdeur de la vie de ses personnages n’est pas prise au sérieux, et que l’optimisme menace de masquer les crimes des adultes dont les choix ont directement conduit à la situation de ces enfants. Pourtant, si tout ce que Barras essaie de dire, c’est que les êtres humains sont fondamentalement bons, contrairement à l’opinion publique en ce moment, cela devrait alors suffire. On ne peut pas reprocher à un film d’avoir trop aimé ses personnages pour les regarder souffrir inutilement, ni de reprocher à un artiste de trop vouloir adopter l’idéalisme infatigable d’un prépubère avec un surnom inutile. —Dom Sinacola

20. la place

Année 2013
Directeur: Jehane Noujaim
Langue: arabe / anglais
Présentant un regard calme sur un événement historique passionné et toujours en développement, le documentaire The Square aborde la révolution égyptienne de 2011 du point de vue de ceux qui étaient au front depuis le début, personnalisant les développements dramatiques sans perdre de vue l'enjeu majeur. . Le réalisateur Jehane Noujaim, qui dirigeait précédemment Control Room et co-dirigeait Startup.com, a présenté un mouvement instantané d'un mouvement politique populaire au cours de ses deux années difficiles, embrassant la complexité émotionnelle et les obstacles logistiques qui ont ouvert la voie à la démocratie pour les Égyptiens. difficile. —Tim Grierson

19. feu en mer

Année: 2016
Directeur: Gianfranco Rosi
Langue: italien
Fire at Sea est une saisie imaginaire de quelques mois sur l'île méditerranéenne de Lampedusa, à 150 km au sud de la Sicile. C'est le premier aperçu de la terre pour des centaines de milliers de réfugiés fuyant l'Afrique et le Moyen-Orient. Sans voix off et peu de contexte, le réalisateur italien Gianfranco Rosi juxtapose la vie d’hommes, de femmes et d’enfants se soutenant à peine en marge de la société, de l’humanité, avec les existences quotidiennes et mondaines des habitants de l’île, tant ceux qui y consacrent leurs vies. vit pour aider les réfugiés et ceux qui travaillent ou jouent ou mangent de gros tas de spaghettis sans se soucier du déluge d'âmes tristes qui passent sur leur territoire. Dans de longues prises de vues et dans une cinématographie qui souffre du besoin de repousser les limites de l’écran, Rosi se laisse aller au rythme de cette juxtaposition, en nous défiant de passer d’une atrocité à l’autre afin de comprendre ce qu’il faut faire. après-midi ennuyeux et assiettes silencieuses de spaghettis. —Dom Sinacola

18. Armes légendaires de Chine

Année: 1982
Directeur: Lau Kar-leung
Langue: cantonais
Un peu comme un nœud gordien narratif, les armes légendaires des intrigues interconnectées de la Chine génèrent des tonnes de personnages colorés et de combats. Son récit principal s'articule autour d'un groupe de «boxeurs spirituels», des artistes martiaux qui tentent de dresser leur corps pour résister aux balles des armes impérialistes occidentales. Ils s'engagent également à pourchasser d'anciens membres du groupe qui ont reconnu depuis abs n'est probablement pas possible. Le véritable attrait du film est son incroyable palette de styles: Ti Tan, le moine impénétrable joué par Gordon Liu, les "boxeurs magiques" de Maoshan, etc. Comme si cela ne suffisait pas, vous avez également la raison du titre: Ce film met mieux en valeur les styles et les utilisations des armes traditionnelles chinois que peu d’autres de son genre. Lau Kar-leung propose 18 armes différentes au total, dont beaucoup au cours de la scène épique finale où le héros et le méchant parcourent toutes les armes légendaires pour sonder les forces et les faiblesses de chaque élément d'armement. C'est manifique. —Jim Vorel

17. avril et le monde extraordinaire

Année: 2015
Directeur: Christian Desmares, Franck Ekinci
Langue: français
Il est déjà assez difficile de garder l’histoire globale de la vraie vie dans les récits qui traversent des décennies et des siècles. Donner un sens à l’histoire alternative quand elle est articulée à une vitesse vertigineuse à travers de multiples époques de progrès culturel européen est tout simplement exténuant. Pensez à avril et au monde extraordinaire comme une séance d'entraînement intense pour votre cerveau, au cours de laquelle le film dessine une Terre de substitution en l'espace de quelques minutes et déclenche des tonnes de détails, visuels et auditifs, dans le but de recalibrer le passé. L'inattention et l'imagination ne doivent pas nécessairement s'appliquer. Bonne nouvelle toutefois pour les auditeurs assidus: April and the Extraordinary World est une très bonne entreprise. Il s'agit d'un exercice compact de création d'un monde sans prise en main qui récompense un public patient et observateur. Si vous parvenez à suivre le rythme du déploiement de l'intrigue dans le film, vous vivrez une merveilleuse promenade parsemée de chats qui parlent, de fabuleux fonds de films steampunk, d'excitations en montagnes russes et de personnages terribles, tous inspirés par la beauté fondamentale de l'animation cel. April and the Extraordinary World nous rappelle la valeur esthétique de l'animation traditionnelle et la nécessité de l'ingéniosité humaine, le tout sans traiter son public comme un idiot. —Andy Crump

16. Lupin III: Le château de Cagliostro

Année: 1979
Directeur: Hayao Miyazaki
Langue: japonais
La nature de l’œuvre de Miyazaki est telle qu’elle déborde de richesse, chaque film se situant de manière indélébile dans le continuum qu'est le canon de l'anime. Ses films sont tellement acclamés pour leur narration visuelle et leur virtuosité émotionnelle que même les rares films qui pourraient être considérés comme ses «pires» films placent toujours les lieues au-dessus des animateurs qui aspirent seulement à son statut. Exemple: Lupin III: Le château de Cagliostro. L’attitude de Miyazaki à l’égard du tristement célèbre maître criminel de Kazuhiko Kato est à la fois un film de cambrioleur déchirant qui a du cœur et qui pourrait sans doute être le moindre film de Miyazaki. Je tiens à souligner les efforts naissants de Miyazaki en tant que réalisateur; Castle of Cagliostro souffre d'un milieu médiocre et d'un antagoniste simpliste et décevant, tout en parvenant toujours à briller de tout son éclat avec son charme signature qui jette un œil à travers les bagages d'un travail déjà existant. Les fans de la série ont vivement critiqué le film pour avoir allégé Lupin de ses prédilections anarchiques et l'avoir plutôt projeté dans le moule d'un véritable voleur de gentilhommes, ne volant que lorsque son sens de l'honneur le permet. Dans tous les cas, le château de Cagliostro demeure un artefact important et essentiel de l’œuvre proto-Ghibli de Miyazaki. Un film défectueux de Miyazaki est tout de même un triomphe. —Toussaint Egan

15. trois

Année: 2016
Directeur: Johnnie To
Langue: cantonais
Pouvez-vous imaginer un endroit pire pour les flics et les voleurs où jouer à un jeu de chat et de souris qu’un hôpital débordant de monde? Un orphelinat, peut-être, ou peut-être une école primaire, mais les maisons de convalescence se classent assez haut dans la liste des endroits «les moins souhaitables» pour que la police se cramponne à un escroc dur, même lorsque ce dernier est menotté à un gurney avec un balle logée dans son cerveau. Cependant, cette inadéquation flagrante entre sécurité publique et enquête criminelle fait partie de la spécificité du film de Johnnie To, Three, Great: Le cadre donne à To une étape labyrinthique à explorer, un environnement contraint où le secours est de plus en plus teinté de danger. Trois est à la fois une pièce de chambre et une leçon sur l'escalade de tension. Dans ce document, To, comme d’habitude, conditionne la réalisation de films stellaires avec une prémisse faussement simple. Cette fois-ci, le Dr Tong (Wei Zhao), neurochirurgien dont l'ambition est son plus grand vice, est en poste lorsque l'inspecteur Chen (Louis Koo) et son équipe font comparaître un suspect blessé (Wallace Chung). Juste avant de passer sous le couteau, le suspect refuse les soins médicaux et entame une longue bataille d'esprit de 80 minutes avec son arrestation et son fournisseur. Peut-être que Pour n’aurait pas pu mettre Trois ailleurs que dans un hôpital C’est l’endroit idéal pour un conflit de moralité, et ses qualités de labyrinthe fraîches reflètent à la fois la complexité croissante de l’intrigue du film et le style de réalisation clinique de To. Il orchestre chaque séquence avec un contrôle et une précision véritablement chirurgicaux, bien que la finale accélérée du film nous rappelle que To a maintenu sa passion pour son métier, même après avoir réalisé des films pendant plus de 30 ans. Dans son corpus imposant, Three est une entrée mineure satisfaisante, mais mineur est meilleur que les grands films de la plupart des cinéastes contemporains que vous pouvez imaginer. —Andy Crump

14. La nuit vient pour nous

Année: 2018
Directeur: Timo Tjahjanto
Langue: indonésien
Tandis que Gareth Evans confondait les fans des films The Raid en leur proposant un film d’horreur folklorique britannique (mais extrêmement bon) cette année, The Night Comes for Us de Timo Tjahjanto gratte l’action ultra-violente indonésienne. Furieusement. Puis poignarder un éclat de fémur de vache. Venez pour la violence, la nuit vient pour nous vous commande et restez pour la violence. Enfin, partez à cause de la violence. Si cela semble exténuant, ne vous inquiétez pas, ça l’est. Vous pourriez dire que cela fait partie du problème, mais cela pourrait bien projeter de bonnes intentions sur un film qui semble se soucier peu de ce qui pavera la route vers l’enfer. C’est la pédale au métal et l’arrière de l’abîme. Il contient également les meilleures séquences de combat chorégraphiées et construites de l’année, et beaucoup d’entre elles, et elles s’améliorent au fil du film. Il y a une scène où le protagoniste anti-héros de Joe Taslim affronte une équipe dans un fourgon, le film utilisant les confins pour comprimer le broyage, comme un compacteur d'action. D'autres scènes sont vastes dans leur chaos contrôlé et leur effusion de sang caricaturale, comme les niveaux de Streets of Rage, envahit une vie bien trop vivante: le niveau de la boucherie, le niveau du garage de la voiture et un niveau vraiment cool où vous jouez comme un dope Personnage alternatif et affronte un duo de sous-chefs mortel aux armes et aux styles spécialisés. Non, sérieusement, ce film est un jeu vidéo. Vous oublierez que vous ne jouez pas, si intensément que vous sentirez une partie de sa brutalité et que vous vous sentirez touché une fois que vous aurez battu le dernier patron, qui se trouve être le star du raid Iko Uwais avec une boîte. coupeur. C’est exceptionnellement douloureux et cela dure éternellement. En dépit d'un scénario qui n'est en fait qu'une excuse pour une implication émotionnelle (le personnage de Taslim tente de protéger une jolie petite fille de la Triade et a un peu la fraternité perdue avec le personnage d'Uwais) et, plus que cela, un moyen facile de créer des scènes d'action En plus des scènes d'action, il y a quelque chose dans la conclusion de The Night Comes For Us qui frappe encore une sorte de nerf de pathétique, bien qu'il soit pour la plupart sans expérience dans un sens dramatique traditionnel. Prenez cela comme un témoignage de la puissance brute du viscéral: une certaine espèce d’actions cinématographiques, comme si elle était conforme aux lois de la physique, exige une réaction. —Chad Betz

13. Verseau

Année: 2016
Directeur: Kleber Mendonça Filho
Langue: portugais
Clara (Sonia Braga) est l'une des grandes héroïnes du cinéma contemporain et son histoire durera longtemps. Lorsque le film a atteint son apogée, une femme a du mal à garder son appartement, malgré les projets déformés des développeurs, pèse de plus en plus lourd dans les épopées les plus ambitieuses à grande échelle. Pourtant, le toucher de Filho ne pouvait être plus léger. Sa direction est élégante et sobre, car il a la confiance de ne pas forcer ses effets. Il croit en ses idées et sait qu’elles s’approfondiront et s’élargiront dans l’esprit du spectateur s’il les présente sans fioritures. Sans aucun doute, une partie de sa confiance provient du cadeau qu'il a reçu de Braga, qui donne la performance de sa carrière, faisant la même chose avec la voix, le visage et le corps que Filho fait avec sa caméra, trouvant des gestes économiques exprimant des émotions et des idées infinies . Je ne peux pas penser à de nombreux autres rôles qui résument si parfaitement la condition humaine dans son humour, sa tragédie, sa perte, son triomphe, son érotisme, sa lassitude, sa peur et son espoir. —Jim Hemphill

12. Le regard du silence

Directeur: Joshua Oppenheimer
Année: 2015
Langue: indonésien
Comme dans The Act of Killing, le film d’accompagnement de Joshua Oppenheimer, The Look of Silence, dans sa syntaxe similaire, vous demande de réfléchir au sens littéral de son titre. De retour en Indonésie, un pays croupi par les génocides anticommunistes des années 1960, Oppenheimer se tourne cette fois vers Adi, un opticien d'âge moyen dont le frère a été assassiné par les hommes qui ont été au centre du premier film, aujourd'hui. traités comme des célébrités locales. Sans aucun doute, le film est une interrogation sur ce que signifie regarder – comme ceux qui ont dirigé les génocides; comme ceux qui sont des proches de ceux qui ont dirigé les génocides; comme ceux qui doivent réprimer la colère et l'humiliation de vivre chaque jour à côté de telles personnes; et, de manière tout à fait évidente, comme ceux d'entre nous qui sommes des observateurs lointains, nous n'avons laissé d'autre choix que d'assister à une telle horreur dans l'abstrait. Comme dans son prédécesseur, la patience et la capacité de se familiariser intimement avec les sujets du film font que chaque film est époustouflant – la vue du père d'Adi, âgé de plus de 100 ans, est particulièrement pénible: aveugle et sénile, l'homme est terriblement terrifié alors qu'il se traîne par terre, agitant et criant qu'il est pris au piège, ne sachant pas où et quand il se trouve. Pourtant, plus que dans The Act of Killing, Oppenheimer exige ici toute notre attention, nous obligeant à confronter son documentaire triste et muet à la notion que voir, c'est plus que croire – voir, c'est porter la responsabilité des vies que nous regardons. —Dom Sinacola

11. La 36ème chambre de Shaolin

Année: 1978
Directeur: Lau Kar-leung
Langue: Mandarin
Et c’est pourquoi tous les fans de kung-fu adoreront toujours Gordon Liu. La 36ème chambre de Shaolin est aussi classique que possible – le film définitif de Shaolin, sans aucun doute, et la source du surnom de Liu, «Maître tueur». Il incarne un jeune étudiant qui est blessé lorsque son école est réprimée par le gouvernement mandchou. , alors il fuit vers le refuge du temple Shaolin. Après avoir travaillé comme ouvrier, il a finalement obtenu le droit d’apprendre le kung-fu, ce qui marque le début des célèbres séquences d’entraînement du film. C’est le rare film où ces séquences d’entraînement surpassent les combats traditionnels, car elles sont tellement belles, fluides et inventives. Dans chacune des 36 chambres, San Te doit travailler pour discipliner son corps, son esprit, ses réflexes et sa volonté. Ils constituent le centre du film et sont inoubliables. Le film a juste une gravité: il donne au kung-fu une grande dignité, car le vrai kung-fu ne peut être atteint que par le plus grand sacrifice. —Jim Vorel

10. Mustang

Année: 2016
Directeur: Deniz Gamze Ergüven
Langue: turc
Imaginez l'inimaginable: un instant, vous passez une belle journée ensoleillée avec vos amis et vos sœurs, et le lendemain, votre grand-mère vous gifle pour avoir eu des contacts inappropriés avec des garçons. Toutes les autres boules de neige à partir de là: vous êtes emmené chez le médecin pour un test de virginité, vos affaires personnelles sont enfermées dans une armoire (avec les téléphones), les portes sont gardées verrouillées et des entrepreneurs viennent renforcer la maison dans laquelle vous habitez avec votre famille, en faisant une usine improvisée prison-épouse pour vous et vos frères et sœurs indomptés. Tel est le cas de Mustang, le premier film du cinéaste franco-turc Deniz Gamze Ergüven. Mustang est sa chronique néoréaliste de la féminité liée à sa volonté d'une politique draconienne de genre. Du début à la fin, le film craque avec une fureur glacée. Ergüven ne fait pas basculer l’échelle de l’indignation dans l’histoire, mais elle n’a pas besoin de le faire. Nous pouvons sentir à quel point elle est énervée derrière l'objectif. —Andy Crump

9. Heureux comme Lazzaro

Année: 2018
Directeur: Alice Rohrwacher
Langue: italien
Il est très difficile d'entrer dans trop de détails sur Happy as Lazzaro d'Alice Rohrwacher sans le gâcher – ce qui semble ridicule à propos d'un film qui commence comme un italien rural qui interprète The Idiot de Dostoevsky, mais vous n'avez aucune idée avant vous le regardez. The Wonders de Rohrwacher est un film plus intime et personnel qui laisse transparaître à peine des moments de réalisme magique. Heureuse, de même que Lazzaro garde la magie sous contrôle (bien qu'une scène avec des murmures dans un champ commence à invoquer Fellini) jusqu'à ce que ce ne soit plus possible – et ensuite la magie explose, détruisant le récit et envoyant ce qui reste dans une direction incroyablement audacieuse. Nous ne pouvons qu'applaudir son audace. Si Dostoevsky était en train de reformuler le récit du Christ, Happy as Lazzaro reformule l'idée même d'un récit du Christ jusqu'à en devenir une toute autre chose. Ici, le Christ est un loup mythique et notre gentil imbécile Lazzaro (Adriano Tardiolo) est un Lazare touché; la différence entre eux est une question de substance, de temps et de lieu. La bonté de Lazzaro, comme toute bonté terrestre, est à la fois transcendante et condamnée, mais le loup continue au-delà de toute spirale mortelle, contre le flux de l’humanité. Lazzaro essaie de suivre, peut-être bêtement, peut-être aveuglément… mais heureusement, néanmoins. —Chad Betz

8. Ma famille heureuse

Année: 2017
Directeurs: Nana Ekvtimishvili, Simon Groß
Langue: géorgien
C’est dommage que Netflix ait l’impression que Nana Ekvtimishvili et My Happy Family de Simon Groß méritent un enterrement, que la société n’a pas pris la peine de demander au film d’être récompensé et de négliger de lui donner un coup de pouce pour le consommateur moyen. Because Ekvtimishvili and Groß’s latest collaboration in a long line of collaborations is superb, timely and altogether unexpected in its unwavering grace. Compared to the year’s other films centered on dysfunctional families, whether hammy (I, Tonya) or naturalist (Lady Bird), My Happy Family is a gentle tribute to dignity: Manana (Ia Shugliashvili) is never less than noble in her constant dedication to her family, even as she determines that to preserve her sanity she must move out of the apartment she shares with them and lay down roots in a pad of her own. My Happy Family doesn’t judge Manana—it validates her. It illustrates a woman’s liberation from social and familial expectations, allowing Manana to discover who she is, what she wants and where she’s going without looking down on her. But My Happy Family is a small film with grand artistic ambitions, and both Ekvtimishvili and Groß know that Manana’s bliss has its limit. They know that eventually the matters of her husband and children, plus their extended family, must be reconciled. Still, My Happy Family shows a benevolent kind of restraint by ending on a note of uncertainty, sparing us the lion’s share of that work, its ultimate lingering ambiguity a thing of honorable beauty. —Andy Crump

7. Graduation

Year: 2017
Director: Cristian Mungiu
Language: Romanian
The crimes are minor but it’s the misdemeanors that do the most harm in Graduation, an excellent Romanian drama that begins as a father’s hope for his talented teen daughter and morphs into a claustrophobic moral crisis ensnaring several individuals. Writer-director Cristian Mungiu lays out his story with nearly surgical precision, adopting a chilly tone for a movie about the tiny, day-to-day infractions that conspire to corrode society’s foundation. This is the fourth feature from Mungiu, who has proved to be a master of the minor. In his breakout second feature, 4 Months, 3 Weeks and 2 Days, the arduous process to secure an abortion was enough to sustain a taut, real-time thriller. In his 2012 follow-up Beyond the Hills, the tense relationship between two childhood friends became a springboard for a drama about religious faith and devotion. Now with Graduation, Mungiu again sees the drama in the everyday, arguing that it’s not the major injustices that are the most nefarious—it’s the small ways we screw over the other guy on a regular basis that keep us so paranoid and distrustful of one another. Rarely has cheating on a test been fraught with such significance. —Tim Grierson

6. Crouching Tiger, Hidden Dragon

Year: 2000
Director: Ang Lee
Language: Mandarin
Ang Lee’s Oscar-winning epic is not only the highest-grossing foreign film ever in America (still), but it also happens to be a film that changed the cinematic landscape: an old-school wuxia flick, with pulpy soul and a romantic heart, that reinvigorated the genre for a whole new audience. Chow Yun-Fat, Michelle Yeoh and Zhang Ziyi play 19th-century warriors whose loyalty and vitality are tested by a series of events that lead each to contemplate their many decisions that brought them together. Beyond the entrancing and lyrical storytelling, Crouching Tiger stands as a rare, beautiful beacon of hope: a foreign film that was actually universally embraced by Western audiences. Here’s to hoping that happens more often, though it’s been almost two decades and nothing has had the same impact since. —Jeremy Medina

5. Okja

Year: 2017
Director: Bong Joon-ho
Language: Korean
Okja takes more creative risks in its first five minutes than most films take over their entire span, and it doesn’t let up from there. What appears to be a sticking point for some critics and audiences, particularly Western ones, is the seemingly erratic tone, from sentiment to suspense to giddy action to whimsy to horror to whatever it is Jake Gyllenhaal is doing. But this is part and parcel with what makes Bong Joon-ho movies, well, Bong Joon-ho movies: They’re nuanced and complex, but they aren’t exactly subtle or restrained. They have attention to detail, but they are not delicate in their handling. They have multiple intentions, and they bring those intentions together to jam. They are imaginative works that craft momentum through part-counterpart alternations, and Okja is perhaps the finest example yet of the wild pendulum swing of a Bong film’s rhythmic tonality. Okja is also not a film about veganism, but it is a film that asks how we can find integrity and, above all, how we can act humanely towards other creatures, humans included. The answers Okja reaches are simple and vital, and without really speaking them it helps you hear those answers for yourself because it has asked all the right questions, and it has asked them in a way that is intensely engaging. —Chad Betz

4. Roma

Director: Alfonso Cuarón
Language: Spanish, Mixtec
Alfonso Cuarón’s film tells many stories, but at the center of the frame is the story of his childhood maid, Libo, translated into Roma as Cleo and played by acting novice Yalitza Aparicio, who auditioned for the film almost on accident. Casting her seems a neo-realist move for authenticity, and for the most part it plays out like that: Cleo is quiet, reserved and submissive when in her servant role, somewhat more expressive when interacting with her fellow servants or with her aloof lover—but those revealing moments are fleeting. The film is composed primarily of wide shots, so each medium frame of Cleo’s face is its own gift wherein you go looking for an interior life that you—like Cuarón, knowingly—can’t quite reach. Still, Roma has some weighty demands on Cleo in its final act, and Aparicio’s performance extends, reaching without ever breaking. Tasked with playing both a real woman and a figure of memory, someone disenfranchised but also cherished (to a certain limit) by the family she served, Aparicio finds a perfect balance. One scene demonstrates just that: A multitude of others flounder as Cleo’s spirit points straight up and unwavering. The clarity of her love and kindness holds her, and the many stories surrounding her, in place. —Chad Betz

3. The Look of Silence

Director: Joshua Oppenheimer
Year: 2015
Language: Indonesian
Like The Act of Killing, Joshua Oppenheimer’s companion film—the syntactically similar The Look of Silence—asks you to contemplate the literal meaning behind its title. Again returning to Indonesia, a country languishing in the anti-communist genocides of the 1960s, Oppenheimer this time sets his eye on Adi, a middle-aged optician whose brother was murdered by the men who were the focus of the first film, people today treated as local celebrities. Without question, the film is an interrogation of what it means to watch—as those who led the genocides; as those who are loved ones of those who led the genocides; as those who must repress the anger and humiliation of living beside such people every day; and, most palpably of all, as those of us who are distant observers, left with little choice but to witness such horror in the abstract. As in its predecessor, Oppenheimer’s patience and ability to acquaint himself intimately with the film’s subjects make for one gut-scraping scene after another—the sight of Adi’s 100+ year-old father, especially, is harrowing: blind and senile, the man is abjectly terrified as he scoots around on the floor, flailing and screaming that he’s trapped, having no idea where, or when, he is. Yet, moreso than in The Act of Killing, Oppenheimer here demands our undivided attention, forcing us to confront his quiet, sad documentary with the notion that seeing is more than believing—to see is to bear responsibility for the lives we watch. —Dom Sinacola

2. The Five Venoms

Year: 1978
Director: Chang Cheh
Language: Mandarin
This is what vintage kung fu—and martial arts cinema—is all about. The mythology alone is exquisite: The Five Venoms (aka Five Deadly Venoms) is the first Venom Mob film, and gave each of them a name for the rest of their careers. There’s the blinding speed of the Centipede (Lu Feng), the trickery and guile of the Snake (Wei Pei), the stinging kicks of the Scorpion (Sun Chien), the wall-climbing and gravity-defying acrobatics of the Lizard Kuo Chui), and the nigh-invincibility of the Toad (Lo Mang), along with the so-called “hybrid venom” protagonist, Yang Tieh (Chiang Sheng), who is a novice in all of the styles. It’s a film typical of both Chang Cheh and the Shaw Brothers: high budget, great costumes, beautiful sets and stylish action. Is it on the cheesy side? Sure, but how many great martial arts films are completely dour? It’s emblematic of an entire era of Hong Kong cinema and the joy taken in delivering beautiful choreography and timeless stories of good vs. evil. —Jim Vorel

1. Burning

Year: 2018
Director: Lee Chang-dong
Language: Korean
Eight years after critical hit Poetry, Korean director Lee Chang-dong translates a very brief and quarter-century old story by Japanese master novelist Haruki Murakami into something distinctly Korean, distinctly contemporary (spoiler warning: there’s a news clip of Trump) and distinctly Lee Chang-dong. But also: into something that utterly captures the essence of Murakami. Lee Jong-su (Ah-in Yoo) is an aspiring young writer who quits his menial job to tend to his incarcerated father’s farm (a storyline the film takes from William Faulkner’s short story “Barn Burning,” after which Murakami—as referential as ever—named his own story). Jong-su encounters a childhood acquaintance, Shin Hae-mi (Jong-seo Joon), who apparently he interacted with just once as a kid by calling her “ugly.” Anyways, Hae-mi’s all grown up and claims to have had plastic surgery; she and Jong-su strike up a relationship. It’s unusual and unnerving: Hae-mi is erratic and inscrutable, possibly a compulsive liar, while Jong-su can barely do more than gape and breathe. Nonetheless, Lee couches this set-up in exquisite details and rich observation. Spontaneously (as is her wont), Hae-mi asks Jong-su to watch her perhaps imaginary cat while she takes a trip to Africa to learn about physical (“small”) hunger and existential (”great”) hunger. That’s not critical embellishment, that’s an actual plot-point. When Hae-mi returns to Korea, she—to Jong-su’s suppressed chagrin—has a rich new boyfriend in tow. His name is Ben, and he’s played as a bored but semi-cheerful sociopath by Steven Yeun (who has never been better).

The way the film’s story flows into uncharted terrain is part of its spell. Something of a love triangle develops, some disturbing idiosyncrasies are revealed (not just about Ben) and some bad stuff happens. Murakami writes about that which he cannot grasp; he embraces the ineffable, inhaling and exhaling a cloud of unknowing. So, too, does Burning, while also managing to give us Lee Chang-dong’s signatures: visual lucidity and artful morality. It’s the rare symbiotic triumph between singular source material and singular cinematic vision. And while the film is a slow-burn, it expands the meaning of the term: You might never quench the flames it sparks within you, flames that send fumes up and away to a thundering, obscuring cloud. —Chad Betz

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